Как рисовать ошибку

Вы решили стать хорошим художником. Много практикуетесь, читаете учебные материалы, смотрите видеоролики, анализируете чужие работы… но совершенно не замечаете прогресса. Усердная работа не приносит желаемого развития. «Может быть, это просто не для меня», – подумаете вы. – «Возможно, я зря трачу свое время». Однако, я уверена, что этому может быть другое объяснение. Вполне возможно, что вы просто неправильно планируете учебный процесс. Ошибочные выводы, непродуктивная практика… Стоит только избавиться от этого, как все изменится, и вы начнете видеть прогресс. Давайте подробнее рассмотрим ошибки начинающих художников и способы борьбы с ними.

1. Завышенные ожидания

Всякий раз, когда мы чего-то хотим, наши желания основаны на представлении того удовлетворения, которое мы почувствуем, когда получим желаемое. Созерцая великолепное произведение искусства, мы думаем, как было бы прекрасно нарисовать что-то подобное. Именно с этого чувства и начинается процесс обучения рисованию.

Но проблема в том, что вы не сможете удовлетворить возникшее желание здесь и сейчас. У вас не получится за одну ночь достичь уровня великих художников, которые годами учились этому искусству. И что же мы получим в итоге? Плохой рисунок – доказательство недостаточно развитых навыков. По сути, каракули ребенка.

Из-за этого каждая попытка нарисовать что-то красивое приводит к неизбежному разочарованию. Вы ожидаете одни эмоции, а на деле получаете совсем другие. При этом вы можете прекрасно понимать, что на учебу требуется время, но это не мешает вам чувствовать себя неудачником.

Зачем вообще рисовать, если я не могу нарисовать что-то красиво

Меня всегда удивляло, почему от рисования ждут немедленных результатов. Впервые сев за пианино, вы не думаете, что сразу будете играть, как Моцарт. И впервые сидя за рулем автомобиля, вряд ли кто-то мечтает с первого же раза выиграть гонку. Да и в отношении кулинарии мы не ждем ресторанного уровня, когда готовим блюдо впервые.

Во всех этих случаях ожидание неудачи естественно. Для вас это не имеет значение, потому что вы заранее настроились. Более того, ошибки начинающих художников часто становятся поводом для шуток и хорошего настроения! Однако, это не работает с первым рисунком. Вам кажется, как будто все ждут от вас феноменальных результатов с первой же попытки. Как будто раньше вы уже умели рисовать, но вам только сейчас позволили этим заняться.

Смотри, он не умеет рисовать. Зачем этот неудачник вообще взял в руки карандаш?

Умение рисовать – это такой же навык, как и все остальные. Вы не знаете, что и как делать, поэтому первые попытки чаще всего будут неудачными. Вторая попытка не намного отличается от первой, потому что вы все еще расстроены после первого «поражения». С каждой новой пробой ваш рисунок становится чуть-чуть лучше, но вы по-прежнему будете выглядеть как ребенок по сравнению с кем-то более опытным. И это норма!

Желание быть лучшим и чувствовать удовлетворение от создания идеальной работы делают вас нетерпеливым. Вы хотите добраться до места назначения не путешествуя. И чем медленнее кажется путешествие, тем хуже вы себя чувствуете, потому что это не то, чего вы ожидали!

Я хочу быть там, но не хочу туда идти!

Чтобы стать хорошим художником, для начала нужно понизить свои ожидания. Мыслите продуктивно, уделяя меньше внимания вашим желаниям (цели) и больше самому процессу (пути). Я научу вас упражнению, которое поможет обнаружить завышенные ожидания и заменить их на более продуктивные мысли.

Напишите список своих ожиданий от рисования. Запишите все, даже если они звучат нелепо. Дальше мы их проанализируем! Например:

• Каждый следующий рисунок должен быть лучше предыдущего;
• Плохие рисунки бесполезны;
• Когда я плохо рисую, это значит, что я неудачник;
• Я должен хорошо рисовать;
• Я должен быстро учиться.

Просмотрите все пункты в списке. Вы уверены, что они относятся к вам? А вдруг это не так и вы ошиблись? Давайте проанализируем каждое утверждение по отдельности.

Каждый следующий рисунок должен быть лучше предыдущего. Я не учусь линейно и равномерно, как компьютер. Иногда я практикуюсь в одной теме, а иногда в другой. Я много экспериментирую, поэтому иногда результат получается лучше, а иногда – хуже. Кроме того, я могу забыть изученное и снова повторить старую ошибку. И это нормально, потому что я человек, а не машина.

Плохие рисунки бесполезны. Плохие рисунки являются стандартным побочным продуктом обучения. Я не стану лучше, если сначала не буду хуже. Плохие рисунки также позволят получить ценный опыт и не совершать ошибки в будущем. Не совершив ошибку, я не узнаю, в чем я плох.

Когда я плохо рисую, это значит, что я неудачник. Когда я плохо рисую, это означает, что я просто не умею рисовать (многие люди настолько боятся этого факта, что даже не пытаются рисовать!). Каждый из нас в чем-то плох, но это не значит, что все мы неудачники! Я работаю, чтобы стать лучше, и это то, чем можно гордиться.

Я должен хорошо рисовать. Никто не обязан быть хорошим в чем-то. Я хочу рисовать красивые вещи, но ни один из художников не давал обещание рисовать исключительно красивые и приятные работы. Если кто-то считает иначе, это их проблема, а не моя.

Я должен быстро учиться. Каждый по-своему склонен к обучению. Если я учусь медленно, это не значит, что я ленив или недостаточно хорош. Это мой личный ритм и неправильно сравнивать его с чужим, потому что мы все разные.

Разве теперь эти пункты не звучат лучше? И мы не пытаемся исказить реальность, чтобы чувствовать себя уверенно. Реальность именно такая, какой вы себе ее представляете. Если постоянно повторять себе, что я неудачник и мне никогда не стать талантливым художником, то так оно и будет.

Возможно, вам кажется, что, не имея завышенных ожиданий, вы будете недостаточно мотивированы и станете меньше заставлять себя работать. Может быть, это правда. Но зачем тогда работать, если вы постоянно себя заставляете и это делает вас несчастным? Меньше давите на себя, и вы сразу начнете получать удовольствие от процесса рисования. Не от результата, а именно от процесса! Возможно, вы никогда не достигнете цели, но сможете насладиться процессом здесь и сейчас. А это, пожалуй, куда лучше, чем рисовать только ради того, чтобы стать хорошим художником и получить признание.

Учиться можно бесконечно, поэтому расслабьтесь и получайте удовольствие от процесса

2. Нежелание учиться

До сих пор многие верят в миф о таланте, без которого невозможны любые начинания. Некоторые считают, что известные художники извлекают все исключительно из своего воображения, без каких-либо подручных средств. Они никогда не используют референсы, никогда не проходят уроки, потому что тогда – внимание! – воспользуются чужими наработками. Это ведь обман! Такое мнение усложняет жизнь многим начинающим художникам.

Если вы считаете, что искусство создано только для получения похвалы, то дело приобретает серьезный оборот. Представьте, что вы восхищаетесь чье-то работой, а потом узнаете, что ее кто-то перерисовал. Получается, кто-то бесплатно получил ваше восхищение за навыки, которыми не обладает. Вот грязный мошенник…

Основываясь на таком мышлении, можно сформировать шкалу:

1. Рисунок, созданный из воображения, быстро и без лишней суеты.
2. Рисунок, созданный из воображения, но с определенными усилиями.
3. Рисунок, созданный по референсам.
4. Рисунок, созданный по уроку.
5. Перерисованный рисунок с фото/картины.

Конечно, данная шкала не предполагает качество рисунка. Данные пункты можно назвать уровнями сложности в рисовании. Легко быть успешным на самом последнем уровне, а отсутствие успеха можно оправдать, если вы находитесь на первом.

Да, я могу и лучше, просто не хотел облегчать себе задачу

Рисование по референсам, конечно, гораздо проще. Можно супер реалистично скопировать увиденное, даже не задумываясь о содержании. Рисуя из воображения, вам приходится самому представлять естественную позу, перспективу, правильную анатомию, детали, светотени… Естественно, такой подход к рисованию заслуживает большего признания.

Но за этим признанием стоят тысячи часов практики. Талантливые художники не родились со знанием «естественной позы, перспективы, правильной анатомии, деталей и светотени». Они годами нарабатывали эти знания, а использование референсов – наиболее быстрый и практичный способ.

Крайне непродуктивно продолжать рисовать одно и то же снова и снова, ожидая, что ошибки начинающих художников больше не будут преградой на пути к вашей цели. Найдите изображение того, что пытаетесь нарисовать, и сравните со своим рисунком, чтобы выявить ошибки. Это не похоже на использование шпаргалки во время экзамена, это больше похоже на использование учебника в процессе учебы!

Если вы пытаетесь нарисовать то, что никогда не рисовали, и надеетесь, что результат будет такой же красивый, как работы опытных художников, значит вы слишком высокомерны. Им пришлось учиться, а вы хотите стать крутым без обучения, потому что считаете, что учеба – это обман.

Зачем мне смотреть на собаку? Я и так должен знать, как она выглядит, иначе я не настоящий художник.

Рисунки, нарисованные из воображения, появляются не изнутри, а снаружи, только в прошлом. Десятки тысяч референсов хранятся у нас в голове – в памяти.

Умение рисовать – это такой же навык, как и все остальные. Он не возникает ниоткуда развитым на 100%. У вас не получается нарисовать кошку с правильными пропорциями? Проанализируйте фото этих животных, чтобы выявить основные черты. Все в вашем рисунке прекрасно, кроме головы? Найдите похожие снимки и выясните, что не так с рисунком. Со временем в вашей памяти соберется достаточное количество референсов и необходимость в них естественным образом отпадет. Отказ от референсов это как выбросить старую тетрадь с конспектами, потому что вы запомнили все их содержимое.

3. Отсутствие плана

Это еще одна проблема, возникающая непосредственно из-за мифа в талант и врожденные навыки. Вы учитесь рисовать… рисуя. Рисуя много и часто. Вы креативный человек и каждый раз пытаетесь создать что-то новое. Вам кажется, что чем больше усилий вложено в работу, тем круче будет результат.

Однако, так не работает. С таким подходом вы будете развиваться очень медленно. Другие люди продолжают улучшать свои навыки, а вы топчитесь на месте. Что же с вами не так?

Повторюсь, рисование – это навык, который вы развиваете. Он не скрыт внутри в ожидании, когда ему позволят проявить себя. Точно так же в людях не скрыта способность виртуозно играть «Лунную сонату». Не получится бездумно тыкать по клавишам, ожидая услышать музыку. Точно так же нельзя каждый раз рисовать случайные вещи и надеяться, что это приблизит вас к мечте стать профессиональным художником.

Если вы рисуете исключительно для публикации в сети и привлечения внимания, то вы прилагаете слишком много усилий для создания качественного рисунка, а не учебы. Ваша цель – стать профессиональным художником, правильно? Но этого не достичь, не нарисовав много неудачных эскизов. Пусть они будут корявые и некрасивые, их все равно никто не увидит.

При любом обучении вы должны думать и планировать. Не рисуйте хаотично, пытаясь в процессе развить свой навык. Решите, чему вы хотите научиться, и узнайте, как это изучить. После этого… учитесь. Рисуйте много, но целенаправленно. Анализируйте свои действия, а не просто наблюдайте за процессом. Найдите в Интернете и запомните полезные правила и секреты от известных мастеров, которые позже вам пригодятся. Протестируйте их на деле и при необходимости подкорректируйте.

Хаос и отсутствие четкого плана – первые враги обучения

Это не значит, что вы сейчас же должны перестать рисовать просто ради своего удовольствия. Просто не стоит каждый рисунок, эскиз или черновые наброски, дорабатывать до состояния публикации. Время от времени рисуйте полностью завершенные работы, которые не стыдно показать. Именно по таким работам вы увидите реальный прогресс.

4. Слишком много планирования

Вы начали серьезно заниматься рисованием. У вас много амбиций и упорства. Вы проходите уроки, тренируетесь в быстрых набросках, смотрите ролики других художников. Кроме того, регулярно читаете мотивационные материалы и смотрите лекции о рисовании. Ни дня не проходит без рисования.

И это отлично, но впереди вас ждет ловушка. Статьи и видео от опытных художников – отличный источник мотивации и опыта. Изучая подобные материалы, вы чувствуете, как ваши навыки пассивно улучшаются. Вы ищите что-то новое: «5 секретов хорошего рисунка», «10 привычек успешного художника», «Совет, который упростит рисование». Это похоже на обучение, но без каких-либо усилий с вашей стороны!

Не поймите меня неправильно, все-таки я тоже написала одну из таких статей. Но когда вы в очередной раз смотрите видео «10 привычек успешного художника», вместо того, чтобы заняться реальным делом, вы крайне непродуктивны. Вы не работаете над достижением своей цели. Создается иллюзия продуктивности, но статьи и видео ничего не стоят, если вы не будете применять полученную информацию на практике.

Сюда же можно отнести постоянный поиск советов, новаторских техник, о которых вы еще не слышали. Вместо того, чтобы просто взять карандаш и научиться рисовать, вы тратите время на поиски блестящей техники, которая позволит получить результат здесь и сейчас. При этом вам тоже кажется, что вы очень продуктивны. Однако, это не так.

Учебники и различные руководства полезны, но относитесь к ним, как к вспомогательным материалам. Не нужно заменять ими реальную практику. Любую, даже самую простую технику, следует отрабатывать на практике, чтобы усвоить. Прочтение толстой книги о рисовании не сделает из вас Айвазовского. Просмотр руководств и статей не исправит ошибки в рисунках.

Только рисование улучшит ваши навыки. И хотя это непродуктивно рисовать без какой-либо подготовки, слишком много подготовки так же плохо. Досмотрите ролик до конца, дочитайте статью. А потом… рисуйте!

5. Сравнение себя с лучшими

Большинство из нас начинает рисовать, вдохновившись работами других художников. Не только старых мастеров. В эпоху цифровых технологий больше не нужно посещать галереи, чтобы увидеть профессиональные картины. Кроме того, сейчас мы можем включить видеоролик с процессом рисования и увидеть, как талантливые художники из простых мазков создают свои шедевры. Это ваша цель и то, кем вы хотите стать.

Наблюдение за творчеством великих художников действительно вдохновляет, но иногда может убить веру в собственные силы. Их уровень кажется таким недостижимым, так зачем беспокоиться? Тем более, что вы и на 5% не нарисуете так же хорошо, как они. Ваши лучшие рисунки выглядят, как детские каракули, по сравнению с их шедеврами. Они могут за 20 секунд набросать из воображения эскиз, который вы не повторите и за 20 часов с референсами.

Да, эти художники, безусловно, кажутся богами искусства. Но они такие же люди, как мы с вами. Вы узнали о них после того, как они прошли свое путешествие и добрались до цели, но вы ничего не знаете о своем путешествии. Поэтому, сравнивая себя с другими художниками, вы, на самом деле, сравниваете свою текущую позицию в путешествии с их местом назначения, и это всегда будет приносить только разочарование.

Каждый художник с чего-то начинал. Каждый рисовал детские каракули, у каждого есть много плохих рисунков и первые удачные работы. И вот, спустя тысячи часов практики и упорного труда, они, наконец, достигают того состояния мастерства, которое вы видите их сейчас. Вы поработали всего 100 часов или даже меньше, а потом спрашиваете почему у вас не получается так же хорошо.

Вы не можете магическим образом телепортироваться в это состояние. Другие художники достигли этого часами упорной работы, и вы тоже должны через это пройти. Не игнорируйте их путь только потому, что не видите его. Не стоит приписывать их способности какому-то мистическому таланту. Это сделает ваше путешествие к цели сложным и лишит мотивации.

Как у него так хорошо получается, это несправедливо!

Вы не знаете, через что они прошли, с какими трудностями им пришлось столкнуться и насколько хороши они были в том или ином возрасте или через определенное количество часов. Ваше путешествие уникально и не имеет ничего общего с чужими. Ваше место назначения может быть таким же, но путь – другой. А попытка догнать кого-то, кто отправился в путешествие раньше вас, только высосет всю энергию и убьет мотивацию.

Единственный здравый и справедливый способ судить о своем прогрессе – сравнить себя… с самим собой. Вы можете понять, насколько продвинулись к цели, сравнивая свое текущее положение с предыдущим, а не сравнивая свое положение с положением того, кем вы восхищаетесь.

Точка, в которой вы находитесь сейчас, когда-то была вашим местом назначения

Не выбрасывайте свои рисунки, даже если они плохие. Оставьте их для сравнения в будущем. Всякий раз, когда вы чувствуете неуверенность в себе, сравните старые и плохие работы с нынешними. Поверьте, вас удивит то, насколько быстро вы принимаете свои новый уровень, как должное!

Не торопитесь, медленно, но уверенно продвигайтесь по своему пути. Нужны тысячи часов, чтобы стать мастером в любом деле. Одни уже прошли свой путь и сделали то, что предстоит вам. Любуйтесь их работами и пусть они будут напоминанием того, во что могут превратиться долгие часы практики. Уже состоявшиеся художники ничем не лучше вас, как и вы их. Они добились всего упорной работой, и вы должны.

6. Постоянная смена инструментов

Понятие «рисование» имеет очень широкое значение. Набор черточек на камне – это рисунок. Контур, сделанный шариковой ручкой, – это рисунок. Реалистичный портрет с тенями и бликами – это рисунок. Цветной пейзаж, нарисованный на графическом планшете в Photoshop, – это рисунок. Кроме того, вы можете объединить разные техники рисования, например, карандаш и акварель и получится тоже рисунок. Вариантов действительно много!

Но каждый вариант предполагает использование определенного набора инструментов. Возможно, вы считаете, что если не добились потрясающего результата с одним инструментом/техникой рисования, то пора переключиться на что-то новое.

Нет ничего плохого в экспериментах и поиске тех техник и инструментов, с которыми вам будет наиболее комфортно работать, но вы должны понимать, что каждый инструмент сперва нужно изучить. Вы не найдете магическую палочку, которая сразу же решит все проблемы. Если у вас не получается нарисовать правильную линию, это не означает, что карандаш слишком грубый или бумага слишком гладкая. Просто ваша рука недостаточно натренирована. И вы не научитесь работать с карандашом, если не посвятите этому достаточно времени.

Не существует идеального инструмента, единственного, который с первого мазка превратит вас в художника. Каждый инструмент и техника требуют практики

Подобные ошибки начинающих художников особенно актуальны среди тех, кто не может позволить себе графический планшет. Вдохновляясь четкими и яркими цифровыми рисунками, они обвиняют традиционные инструменты (карандаши, кисточки) в своих неудачах. Если бы в традиционном рисунке можно было сделать ход назад. Или трансформировать отдельную часть рисунка. Или без следа стереть неудачную линию. Это сделало бы все намного проще!

Но просто не значит лучше. Скрытие своих слабостей не делает вас сильнее. С ними нужно бороться. Изо всех сил пытаетесь провести прямую линию? Работайте над этой проблемой, пока не добьетесь успеха. Не нужно сразу бросаться на поиски инструмента, который упростит работу. Не переключайтесь резко на другой инструмент, после того, как увидели картину, нарисованную им. С помощью и карандаша, и кисточки, и графического планшета можно создавать потрясающие рисунки. Нужно только потратить свое время и овладеть этими инструментами.

7. Нерегулярная практика

Были дни, когда вы регулярно рисовали, проходили уроки, смотрели мотивационные ролики, создавали странички в соц. сетях для публикации своих рисунков. И вдруг вы увидели потрясающую картину, которую, как вам показалось, вы никогда не нарисуете. Затем кто-то пишет неприятный комментарий под вашей работой, и вы окончательно теряете веру в себя.

Затем на какое-то время вообще перестаете рисовать. Страницы в соц. сетях становятся пустыми, а фанаты забывают о вас. И тогда вы снова кем-то или чем-то вдохновляетесь и начинаете работать. Еще усерднее, чем в прошлый раз. Но это ненадолго, потому что ваши навыки остались на прежнем уровне.

А может вам нравится рисовать, но вы просто не можете уделять этому много времени. Сегодня вы что-то нарисовали, прошли урок, неделю попрактиковались… а затем в вашей жизни снова произошло что-то важное. Вы любите рисовать, но у вас попросту нет на это времени. Вам кажется, что это может подождать неделю-две. Но когда вы возвращаетесь, то понимаете, что весь предыдущий прогресс сошел на нет.

Наши мозги неидеальны. Наша память – это не жесткий диск компьютера, куда можно сохранить что-то важное до лучших времен. К каждому воспоминанию ведет своеобразная дорожка и чем дальше вы зайдете, тем легче будет добраться до цели. Но если остановиться, то дорожка зарастет кустами и вы, возможно, больше никогда не найдете ее.

Вот поэтому повторение – это ключ к обучению. Вы можете целый день практиковаться и надеяться, что усвоенные знания останутся навсегда. Но, если их не использовать вскоре после получения, то мозг решит, что эта информация не важна и забудет ее. Чтобы знания сохранялись дольше, их нужно практиковать. Обучение – это не круглосуточная разовая практика, а постоянные регулярные занятия.

Тысячи часов, которые нужно потратить на совершенствование навыков, не возникнут сразу из ниоткуда. Нужны перерывы, время, чтобы знания закрепились. Это происходит даже во время сна! Таким образом, получасовая практика каждый день даст вам гораздо больше, чем один день в неделю проведенный за рисованием.

Не ждите идеального времени, когда вам будет удобно практиковаться. Выделите в течение дня 15-30 минут на рисование и сделайте это ежедневным ритуалом, как приготовление пищи, просмотр фильмов или уборка. Полчаса каждый день лучше, чем 10 часов раз в сто лет.

8. Рисование для других

Любуясь чьим-либо произведением искусства, вы чувствуете не только восхищение. Рядом находится и зависть. Зависть не к навыкам мастера, а к восхищению, которое он получает за свое мастерство.

Очень приятно, когда вас хвалят за тяжелый труд. Когда окружающие признают ваши усилия, вы чувствуете гордость и уверенность! Но есть и другая сторона медали. Когда другие плохо отзываются о ваших рисунках, вы чувствуете себя униженным, никчемным, несмотря на то, что довольны выполненной работой.

Крайне нежелательно связывать свою самооценку с качеством ваших работ. Если вы чувствуете себя бесполезным до тех пор, пока не получите чьё-то признание и похвалу, то это непродуктивно.

Когда окружающие оценивают вашу работу, они судят не конкретно вас, а ваш навык. И только вы сами ставите знак равенства между этими понятиями. Это очень негативно отражается на вашей самооценке и вере в себя. Если вы начинаете верить, что чужая похвала – это доказательство вашей значимости, тогда вашей целью становится удовлетворение других людей, а не собственное саморазвитие. Вы не будете позволять себе экспериментировать, чтобы случайно никого не разочаровать. Вы, по сути, продаёте продукт, который нужен окружающим, чтобы они обратили на вас внимание.

Пожалуйста, похвалите меня!

Что плохого, если обе стороны – и создатель, и получатель продукта – счастливы? Зависит от того, с какой стороны посмотреть. Если вам действительно нравится снова и снова рисовать одних и тех же популярных персонажей в той технике, которая нравится вашей аудитории, тогда все хорошо. Но, если при этом вы чувствуете себя рабом их интересов и боитесь попробовать что-то новое, тогда пора отказаться от этого.

Вам кажется, что вы хотите нарисовать то, что понравится вашим поклонникам, но в действительности вам хочется, чтобы им понравилось то, что вы рисуете. Именно вы сами должны стать своим самым большим и преданным поклонником. Ваше мнение должно быть выше мнения окружающих. Даже если тысяча человек скажет, что им не нравятся ваши рисунки, это неважно, если они нравятся вам. Потому что это ваше и только вам лучше знать, как это должно выглядеть.

Если вы сами решили нарисовать это именно так, то критика окружающих – всего лишь дело вкуса, и не то, о чем стоит судить однозначно правильно или неправильно

Запомните: каждый человек имеет право на собственное мнение. Если окружающим не нравится то, что нравится вам, это не значит, что они неправы. Мнения не могут быть правильными или неправильными. Вы всего лишь можете им поделиться или оставить при себе. В ответ на неприятный комментарий просто улыбнитесь. Выслушайте любые советы и самостоятельно решить стоит ли к ним прислушиваться. В конце концов, вы не обязаны всем нравиться.

9. Перфекционизм

Обычно, перфекционизм считают просто частью личности человека. Однако, я считаю это расстройством личности. Если вы закоренелый перфекционист, то у вас искаженное представление о собственных достижениях. Независимо от того, насколько хорошо вы выполнили работу, вы никогда не будете удовлетворены, потому что знаете, что можете еще лучше. Похвала и восхищение других для вас не имеют значения. «Они просто хотят быть добрыми и боятся обидеть. Или просто не разбираются в искусстве», – подумаете вы.

Каких бы успехов вы не добились, для вас все незначительно. В сознании перфекциониста работа над собой похожа не на покорение горы, а на рытье ямы. Для перфекциониста лучшим является состояние по умолчанию, а источником стыда – фраза «недостаточно хорош».

Используя такой подход, вы все еще можете замечать свои успехи. Как правило, перфекционисты много работают, поэтому у них больше шансов достичь цели. Проблема в том, что перфекционист не испытывает удовлетворение от своих успехов. Он постоянно давит на себя, чтобы с каждым разом рисовать все лучше и лучше, при этом лишая себя награды за реальные достижения. Выражаясь метафорически, перфекционисты не зарабатывают деньги, они погашают долги.

У меня нет лекарства от перфекционизма, но я могу дать вам ценный совет. Вы должны понимать, что все только в вашей голове. Это не значит, что вы можете это контролировать или в чем-то виноваты. Просто любая ваша неудача не имеет никаких внешних последствий. Только внутренние. Это ранит, но не убивает.

Вы сделали ошибку, и что? Никто на вас не давит, и вы не обязаны быть идеальны во всем и всегда!

Вы считаете, что любые ошибки начинающих художников сравнимы позору. Но попытайтесь посмотреть на это более рационально: «Я человек, а все люди ошибаются. Но я могу учиться на своих ошибках и становиться лучше». Поэтому ошибайтесь! Если вы боитесь заняться фотосъемкой, потому что не знаете с чего начать, тогда намеренно начните неправильно. Получайте от этого удовольствие и растите над собой!

Вы считаете, что все люди обязаны хорошо рисовать? Нет. Так почему к себе так относитесь? Что делает вас особенным? Вы единственный, кто ожидает от себя потрясающих результатов во всем. Прикажите этой личности заткнуться хотя бы на время. И с каждым разом увеличивайте это время. Вы такой же, как все. И каждый человек многие вещи делает плохо. Так будьте похожим на остальных!

10. Считать реализм единственно правильным стилем рисования

Искусство, в самой популярной трактовке, – это создание копии реальности при помощи каких-либо средств. В каждом мазке кисточки должен быть какой-то скрытый смысл, и задача зрителя его распознать. И чем проще его распознать, тем лучше. Нет ничего хуже реалистичного рисунка, который не выглядит реалистично.

Если вы поклонник реализма, то для вас не существует компромиссов. Реализм – единственный стиль, который имеет значение, это вершина творчества. Все остальное пустяки и несерьезно. Линейный набросок может выглядеть очень красиво, но он никогда не будет так же крут, как фотореалистичный портрет карандашом.

У настоящих котов голова не круглая, неудачник!

В давние времена живопись должна была как можно точнее запечатлеть реальность. Тогда не было фотоаппаратов и видеокамер. Поэтому идеальный реализм был целью большинства мастеров прошлого. Сегодня у нас есть камеры и они гораздо точнее передают реальность, чем любой художник. И быстрее. Если нам нужно скопировать фото, мы пользуемся копировальной машиной. Сегодня невероятно просто запечатлеть реальность со 100% схожестью.

Из-за этого реализм (или фотореализм) стал просто искусством ради искусства. Вы рисуете реалистично только потому, что хотите доказать себе/другим, что умеете это, и ничего больше. Хотя сегодня реалистичные рисунки ничем не лучше других стилей. Реализм можно назвать стилем по умолчанию, но не единственным.

Быть хорошим художником не означает, что вы можете со 100%-ной точностью нарисовать реалистичный рисунок. Быть хорошим художником – это знать, как правильно, но позволять себе намеренно делать ошибки. Вы играете с реальностью и то, как вы это делаете, формирует ваш собственный стиль рисования.

В эпоху копировальных машин, намеренные ошибки могут превратить рисунок в настоящее произведение искусства

Если бы вершиной искусства считался реализм, то все художники рисовали бы одинаково. Идеально, но все же одинаково. Стилизованный рисунок – это ваша визитная карточка, которая делает вас уникальным. А это гораздо круче, чем реализм. В такую работу вы вкладываете частичку души. И вместо того, чтобы показать поклонникам своего творчества то, что они могут увидеть в реальности, вы показываете им то, что они не могут увидеть без вас. Я считаю, что в этом и заключается настоящее искусство!

Но как отличить действительно персональный стиль от случайности? Все зависит от ваших намерений. Если в голове была идея с конкретным результатом, а получилось иначе, это ошибка. А если вы понимаете, как должно быть реалистично, но намеренно искажаете, например, пропорции, это не ошибка. Поэтому отклонение от реализма должно быть целью, а не случайностью.

Но также важно изучить реалистичный рисунок. Если вы хотите изобразить льва, то должны знать, как он выглядит, чтобы другие тоже могли узнать его в вашем рисунке. Как только вы поймете, что считается реалистичным, то намеренно сможете заменять любые детали рисунка. И тогда вы перестанете быть рабом реализма!

Завершение

Рисование, как и любой другой навык, прост на поверхности, но таит в себе много подводных камней, если в него углубиться. А поскольку многие по-прежнему считают, что с этим навыком можно только родиться, то человеку будет сложно научиться рисовать. Надеюсь, эта статья нашла отклик внутри вас и помогла стать увереннее в своих способностях. Также рекомендую вам посетить социальную сеть художников и иллюстраторов wearts.ru. Там вы найдете современные арт-работы, сможете показать свои и получить поддержку от людей, увлекающихся творчеством. Ошибки начинающих художников легко исправить, если знать их первопричину.

Оставляйте комментарии, подписывайтесь на обновления и делитесь статьей в соц. сетях. Приятного творчества!

Изометрия — один из самых популярных вариантов отображения игрового мира, особенно на рынке мобильного геймдева. Разбираемся, как с ней работать.

Что такое изометрия и зачем она нужна

Изометрия — этот способ изображать предметы без перспективных искажений. В отличие от классической реальной перспективы, где удаленные от зрителя предметы кажутся меньше, в изометрии предметы на разном расстоянии остаются одинакового размера.

Существует несколько видов изометрии: прямоугольная, косоугольная фронтальная, косоугольная горизонтальная. Они различаются положением осей X и Y и углами между ними. От этих параметров зависит изображение предмета. Это хорошо видно на примере с кубиком:

Чаще всего, говоря об изометрии, подразумевают прямоугольную изометрическую проекцию. В ней ось Z направлена вертикально, а оси XYZ образуют углы в 120°. Выглядит это так:

Кроме изометрии и ее разновидностей, существуют похожие на нее диметрия и триметрия. В изометрии углы между осями XYZ одинаковые и равны 120°, в диметрии равны два из трех углов, в триметрии величина всех углов между осями разная. Все виды этих проекций нашли применение в геймдеве, их привычно называют одним словом — изометрия.

Например, в игре Invisible, Inc. используется изометрическая проекция с углами 120°:

Игра Transistor — пример использования диметрии в игровой графике:

В игре Simcity 4 используется триметрическая проекция:

На заре становления изометрия позволяла создавать в играх имитацию объемного пространства с помощью плоских спрайтов. Так как объекты не меняют своих размеров в зависимости от расположения на игровом поле, компьютеру не нужно производить сложные вычисления и моделировать постоянно меняющееся окружение.

Примеры первых изометрических игр — это Zaxxon от Sega (1982), Treasure Island (1981), Q*bert (1982).

Сегодня, когда компьютеры с легкостью справляются с воспроизведением сложной графики, изометрия по-прежнему остается актуальной. За последние несколько лет вышли такие изометрические игры как Invisible, Inc, Transistor, Disco Elysium и многие другие.

Изометрия остается популярной в RPG и стратегиях и повсеместно встречается в мобильных играх. Она оставляет разработчикам пространство для экспериментов и в создании визуала, и в разработке геймплея.

Как рисовать изометрию

Строим изометрическую сетку

В рисовании изометрии главную роль играет сетка, относительно которой художник будет выстраивать все объекты. Это может быть как классическая изометрическая сетка с углами между осями 120°, так и эксклюзивная для определенного проекта — параметры сетки могут определяться техническим заданием или самим художником.

Изометрия — отличный вариант для тех, кто не любит ломать голову над перспективными сокращениями. Нарисовав сетку один раз, вы ориентируете все горизонтали в рисунке к параллели с этой сеткой, а вертикали оставляете без изменений.

Стандартный вариант игровой изометрической сетки — диметрия с соотношением сторон 2:1.

Существует множество способов создания изометрической сетки. Можно отрисовать ее вручную, можно взять шаблон из интернета, можно настроить направляющие в Photoshop.

Один из простых и быстрых способов — строим сетку с углами 90°:

Поворачиваем ее на 45°, нажимаем «применить»:

Затем отключаем привязку высоты к ширине и меняем высоту со 100% на 50%. В итоге получится сетка с соотношением сторон 2:1, часто используемая в изометрических проектах:

Важно отметить, что, чем больше сетка раскрыта, тем лучше будут видны объекты (одни не будут загораживать другие), но при этом мы можем показать меньше игрового поля. И наоборот, при небольшом раскрытии сетки видно больше игрового пространства, но объекты могут наползать друг на друга. Учитывайте этот нюанс при выборе угла сетки.

Строим простые фигуры по сетке

Рисование начинается с построения базовых форм. Изометрия не исключение. Ориентируемся на сетку и строим примитивные фигуры.

Если с квадратами, прямоугольниками треугольниками все понятно — их необходимо просто вписать в необходимое количество плиток, то как быть с кругом?

В случае с кругом нужно следить, чтобы крайние точки окружности с каждой стороны совпадали с углами квадратов как на картинке (отмечены точками):

Если ориентироваться по точкам сложно, можно провести через центр окружности два отрезка — своеобразную крестовину — и, ориентируясь по ней, масштабировать круг до нужных пропорций, чтобы крестовина совпала с сеткой.

Строим объемные фигуры по сетке

Переходим к объемным фигурам. На основе квадрата строим куб. Копируем квадрат в основе на две клетки вверх и соединяем углы вертикалями. С помощью оттенков можно показать объем.

Подобным образом строим параллелепипед на основе прямоугольника.

Пирамиду также довольно легко построить на основе квадрата или прямоугольника. Проводим вертикаль из центра основания на нужную высоту и от вершины проводим прямые к углам — ребра пирамиды.

В основании цилиндра и конуса лежит круг. Копируем круг основания на нужную высоту и соединяем края вертикалями — получится цилиндр.

Проводим из центра вертикаль на нужную высоту, находим вершину и от нее проводим наклонные линии к краям круга. Получится конус.

Освоившись с базой, можно переходить к более сложным формам.

Домик в изометрии

Классический кейс казуальных игр — изометрический домик. Разбиваем концепт на простые формы и отстраиваем по сетке.

Начинаем с болванки параллелепипеда — основания домика. Его довольно легко построить по изометрической сетке.

Переходим к крыше. Проводим вертикали одинаковой длины по центрам меньших граней — получатся центральные оси, относительно которых будем строить крышу. Параллельно сетке проводим между этими осями конёк, а также боковые свесы. Соединяем свесы с коньком, чтобы получить скаты крыши.

Относительно оси строим дверь и окно. На скате крыши также строим центральную ось, опираясь на нее рисуем слуховое окошко. Вертикали остаются вертикальными, горизонтали строим по сетке.

Рисуем толщину стен в оконных проемах, добавляем детали.

Отметим, что в данном примере относительно центральных осей в обе стороны отложено одинаковое расстояние частей домика. На начальных этапах обучения так проще ориентироваться в построении и деталях.

Небольшое отступление: не всегда детали расположены симметрично относительно центральной оси, есть и примеры с асимметрией. Но чаще всего в геймдеве мы встречаем примеры симметричного построения объектов.

Завершаем лайн, добавляя финальные штрихи и детали, говорящие о характере домика.

Внутреннее убранство домика тоже можно построить примитивами по сетке, а затем дополнить мелочами.

Бэкграунд и окружение играют важную роль в изометрических играх — пользователь видит все игровое пространство или бОльшую его часть. Уделите этому особое внимание.

Дерево в изометрии

Органические объекты (деревья, кусты, камни и т.п.) с одной стороны проще нарисовать в изометрии, так как это плавные формы и там почти нет таких строгих построений. Но с другой стороны, в их изображении проще запутаться.

В этом примере в основании ствола дерева — окружности разных размеров.

Простраиваем ствол и ветки. Важно, чтобы дерево вписывалось в 3D-пространство, чтобы ветки и крона вокруг ствола была направлены во все части света почти сферически. Поэтому, чтобы сделать дерево более объемным, направляем ветви вдоль разных линий сетки.

Простыми формами намечаем крону.

Детализируем дерево, дополняем его листьями и корнями, также направляя их в разные стороны.

Завершаем рисунок деталями.

Персонажи в изометрии

Изометрических персонажей тоже рисуют на основании примитивов. В данном случае в основании базовых частей персонажа лежат эллипсы разных размеров.

Важно, чтобы симметричные части фигуры (в данном случае, например, края прически, подол платья) находились на одном уровне. Проверяйте их линиями, параллельными сетке.

Важно следить за соотношением масштабов объектов рисунка: то есть чтобы персонаж помещался в дверь, а не был размером с дом. В этом примере объекты сомасштабны, поэтому выглядят убедительно.

Ошибки в рисовании изометрии

Несколько типичных ошибок художников, начинающих работать с изометрией:

Текст написала Стефания Косюг, автор в Smirnov School. Мы готовим концепт-художников, левел-артистов и 3D-моделеров для игр и анимации. Если придёте к нам на курс, не забудьте спросить о скидке для читателей с DTF.

Error get alias

Ошибки начинающих художников. Как их избежать?

Перевод статьи Robie Benve “13 Beginner Painting Mistakes You Want to Avoid” 

Было ли с вами такое – вы пришли на выставку и вдруг поняли, что вокруг работы одних новичков? Как их распознать? Какие ошибки начинающих художников свойственны любительской живописи?

Многие начинающие художники делают одни и те же ошибки. Их легко могут заметить как профессиональные художники, так и обычные зрители.

Ниже приведен список самых распространенных ошибок новичков. Он поможет вам их избегать, а ваши работы перестанут выглядеть посредственнымы и скучными.

ОШИБКИ НАЧИНАЮЩИХ ХУДОЖНИКОВ

Ошибка №1. Рисовать все, что видите

Не пытайтесь быть фотоаапаратом. Вы создаете картины, в них – ваше собственное видение мира, изображаемых объектов.

Вы не обязаны рисовать каждую деталь лишь потому, что она есть в реальности.

Будьте избирательными – включайте только те элементы, которые подчеркнут каждый конкретный сюжет. Фотография – ваш помощник. На ней есть все необходимые элементы, но какие из них включать – решаете только вы.

Кроме того, когда вы пытаетесь достичь фотореализма в своих работах, даже маленькие незначительные ошибки в несоблюдении размеров, углов наклона и тому подобные, будут очень заметны зрителю.

---

Читать в контексте: Линия горизонта, как правильно найти ее место в картине?

---

Ошибка №2. Быть заложником сюжета

Не обязательно рисовать объекты в том месте, где они находятся на самом деле. Вы можете менять их местоположение, если это усилит композицию картины. Это верно для любого жанра, в том числе и для пейзажа.

Можете совмещать элементы с разных фотографий. В этом случае важно помнить про то, где находится источник освещения.

Если вы рисуете узнаваемое место, передвигать объекты в рамках картины может быть проблематично. Вместо этого можно сдвинуть вторичные или переменные элементы или вовсе от них отказаться.  К таким элементам относятся фигуры людей, зонты, мебель, цветы и т.д.

Ваша основная задача – передать сюжет, ухватив его суть, и подобрать для этого лучшую композицию из возможных.

Ошибка №3. Размещать главные элементы в центре картины

Не размещайте главный элемент картины строго в центре, иначе взгляд зрителя будет прикован только к нему.

По этой причине избегайте и размещения по центру основных линий, таких как край стола, ствол дерева. Они как будто разрезают картину пополам вертикально или горизонтально.

---

• Как найти свой стиль рисования? Практическое руководство.
• Как правильно составить натюрморт

---

Ошибка №4. Рисовать похожие или равноудаленные объекты

Есть одно простое композиционное правило – расстояние между объектами должно быть разным. Это значит, что вы должны применить разнообразие ко всем элементам картины, чтобы привлечь внимание зрителя и заставить его взгляд блуждать по ней.

Если вы работаете над пейзажем – меняйте форму и размер ваших деревьев, смешивайте разные оттенки зеленого, обратите внимание на расстояния между объектами. Избегайте однотипных рядов деревьев или кустарников одного размера.

Даже если вы рисуете такой упорядоченный, с заданной формой, объект как забор, добавьте немного разнообразия – сделайте местами шире зазоры, наклоните пару досок, а то и вовсе пропустите одну.

Великолепная работа Винсента Ван Гога “Ирисы”. Густые мазки краски, чуть размытый фон, продуманные линии, прекрасная композиция и размещение центра картины.

---

Как развить идеальный глазомер?

---

Ошибка №5. Одинаковое количество деталей на переднем и заднем планах

Эта ошибка особенно часто встречается у тех, кто рисует не с натуры, а по фотографиям.

На фотографиях сохраняется огромное количество деталей и почти все они в фокусе. Вы можете ясно разглядеть и травинку на переднем плане, и ветку дерева вдали.

Однако наши глаза видят по-другому. Если мы сосредоточим взгляд на одной области, все остальное будет размыто.

Решите где будет центр вашей работы, нарисуйте его более подробно.

Не детализируйте все области картины одинаково. Как правило, в фоне очень мало деталей, их количество постепенно увеличивается к переднему плану и композиционному центру картины.

---

• Как выбрать удачный фон для своей картины?
• Как создать гармоничную композицию картины?

---

Ошибка №6. Использовать готовые зеленые оттенки

Поражает разнообразие и насыщенность зеленых оттенков, встречающихся в природе. Их невозможно подобрать, используя лишь краску из готовых заводских тюбиков и кювет, сколько бы их у вас ни было.

Основное преимущество покупки зеленых оттенков – они всегда у вас под рукой. Однако вы добьетесь куда больших успехов, смешивая готовые цвета с другими, чтобы добиться желаемых оттенков.

“Они будут продавать вам тысячи оттенков зеленого цвета. Veronese green, изумрудный, кадмий зеленый, и любой зеленый, который вы только пожелаете, но нужный – никогда.” – Пабло Пикассо

Яркие и похожие друг на друга оттенки зелени присутствуют в работах многих начинающих художников. Вы сразу заметите, что они используют готовые зеленые краски.

Чтобы избежать подобной ошибки, смешивайте свои оттенки зеленого, добавляя разные цвета. Добавив синий к зеленому, вы сделаете его холоднее. Желтый цвет сделает зеленый оттенок более теплым, а красный цвет приглушит яркую зелень.

Ошибка №7. Нежелание учиться смешивать собственные зеленые оттенки

Похоже на разобранную выше Ошибку №6, но речь немного о другом.

Когда вы смешиваете зеленые оттенки, то будете получать разные вариации в зависимости от используемых голубых и желтых цветов, а также их пропорций в смесях.

Но! Зеленые, полученные путем смешивания только синих и желтых оттенков, как правило, слишком яркие по сравнению с реальными цветами в пейзаже.

Каждое зеленое растение или объект имеет несколько иной оттенок – насыщеннее, теплее, холоднее или даже тускнее чем тот, что вы получили.

Некоторые оттенки, расцененные нами как зеленые, вообще оказываются синими или очень тусклыми желтыми, местами встречается и серый цвет.

Смешивая зеленые оттенки из синих и желтых, добавляйте туда оранжевые или красные, посмотрите как они приглушают зелень.

Обратите внимание на то, что зеленые оттенки в пейзаже меняются в зависимости от времени суток, цвета света и времени года. То, что утром кажется вам сине-зеленым, вечером может быть окрашено в желто-зеленый цвет. Зеленые оттенки более насыщенны весной и тусклые осенью, во время листопада они более оранжевые.

---

Как получить красивые оттенки зеленого цвета?

---

Ошибка №8. Экономный расход краски

Это трудноискоренимая привычка – использовать малое количество краски, экономить.

Ничто так не говорит о непрофессиональности художника как неуверенные, боязливые, скупые мазки.

Смешайте в два раза больше краски чем вам нужно и используйте ее. В конечном итоге у вас может остаться лишняя краска, но это не так страшно.

Будет хорошо, если вы начнете работу над картиной с тонких слоев, но по мере заверешения ваши мазки должны быть более густыми, решительными, уверенными. Оставьте их такими, не трогайте.

Не возвращайтесь назад и не пытайтесь переделать уже наложенные мазки. Придите к согласию с собой, чтобы оставить их как есть, даже если вам трудно на это решиться.

Иногда краска, нанесенная на холст, выглядит иначе чем на палитре и не соответствует вашим ожиданиям. Не исправляйте сразу же. Поработайте над другой областью и подождите. Когда вы снова вернетесь к этому участку, то уже успокоитесь и посмотрите более “свежим” взглядом. Примите решение – стоит ли повозиться с этим участком еще немного или он хорошо смотрится и так?

Ошибка №9. Рисовать то, что знаешь, а не то, что видишь

Это типичная ошибка как совсем новичков в рисовании, так и тех, кто уже занимается какое-то время.

Например, мы знаем, что дом белого цвета, и рисуем его белым.

Мы знаем, что цветок пурпурный, и рисуем его пурпурным.

Часто мы принимаем за реальный цвет объекта тот цвет, что видим когда мы смотрим на него близко и под прямым источником света.

Это же касается и форм. Мы знаем, что сосна треугольная, а тарелка круглая, и рисуем их в соответствии с заложенными общими образами, даже не пытаясь наблюдать, анализировать, сравнивать.

Прищурьте глаза и посмотрите на объект. Обратите пристальное внимание на форму, негативное пространство, структуру. Что темнее? Что легче? Задавайте себе такие и похожие вопросы.

Белый цвет в тени темнее чем черный на свету.

Мой мозг не принимает это утверждение автоматически, но если я прищурюсь и начну пристально вглядываться в объекты, то смогу удостовериться в том, что это верно.

Ошибка №10. Использовать неверный цвет в работе, чтобы не выбрасывать оставшуюся краску 

Краски стоят дорого. Поэтому когда на палитре скапливается большое количество неиспользованной краски, то одна мысль о том, чтобы ее выбросить вызывает боль. Мы начинаем искать варианты куда бы ее пристроить, не так ли?

Но когда мы начинаем смешивать оставшийся большой кусок смеси тускло зеленого цвета с чем-то другим, то на выходе получаем что-то не менее тусклое или даже серое.

Прекратите пытаться исправить залежавшуюся смесь. Начните сначала. Не используйте неправильный цвет в работе. Или найдите ему иное применение – в качестве “серого” или добавляя по чуть-чуть, чтобы нейтрализовать другие яркие цвета.

Используя в своей работе неподходящие цвета лишь в целях экономии, чтобы они не пропадали впустую, вы рискуете конечным результатом и впечатлением от вашей живописи.

---

Как смешать нужный оттенок в живописи?

---

Ошибка №11. Рисовать только жесткие границы

Когда я только начала рисовать, я и понятия не имела, что бывают жесткие, мягкие и даже исчезающие границы, края. Большинство границ моих объектов были жесткими. Иногда я случайно делала мягкие края там, где нужно, пытаясь повторить то, что видела в реальности. Позже я узнала, что есть несколько правил когда применять тот или иной вид краев.

Итак, что такое мягкий край? Он проявляется когда вы объединяете цвета вместе, вливая один в другой. Жесткий край проявляется когда цвета не смешиваются и это подчеркивается формой объекта.

Общая рекомендация такова – используйте жесткие края для объектов в центре картины, а мягкие – для вторичных объектов и на заднем плане.

---

Акварель для начинающих: прием “четкий край” ВИДЕО

---

Ошибка №12. Работать над картиной кистями неподходящих размеров

Кисти бывают разной ширины и диаметра. Кисти маленьких размеров используются только для прорисовки деталей, они понадобятся вам в самом конце работы. Не поддавайтесь желанию взяться за них слишком рано, это приведет к тому, что ваша картина будет перенасыщена деталями.

Мне нравится начинать работать с кисточками больших размеров, ими я рисую основные формы. Затем я перехожу на кисти средних размеров для более мелких объектов. В конце берусь за маленькие кисточки, заканчиваю работу над деталями картины.

Как определить размер самой большой кисти, нужной вам для работы? Это зависит от размера ващей будущей картины. Например, если я рисую на формате 15 х 15 см, то начинаю с кисти 2,5см, постепенно меняя кисточки на более мелкие.

Чем больше размер вашей заготовки, тем большего размера кисть вам нужна. Для больших полотен 76 х 102 см я использую в начале флейцевые кисти 5 или 7 см (их можно найти и в строительных магазинах). В процессе работы я заменяю их на художественные кисти более мелких размеров.

При помощи больших кисточек вы наносите сразу больше краски. Но это не единственная причина, по которой вам стоит начинать работу с них. Они  объединяют ваши мазки, позволяют им выглядеть цельно.

Когда нужно переходить на кисти более мелких размеров? Как можно позже. Работайте с большими кисточками ровно столько, сколько сможете, прежде чем заменить их.

---

Китайские кисти для акварели вместо традиционной белки и колонка!

---

Ошибка №13. Беспокоиться из-за результатов

Доверяйте своим инстинктам и верьте в себя!

Страх – одна из самых коварных опасностей, поджидающая начинающих живописцев. Ученики боятся сравнения с другими более талантливыми учениками. Начинающие художники боятся как оценят их творчество более опытные живописцы. И каждый боится критики и негативных отзывов зрителей.

Страх пораждает неуверенность в себе. Для художника подобные метания и сомнения в принятых решениях особенно опасны – они обязательно отразятся на картине.

Иногда это даже не страх, что ваша работа кому-то не понравится, а страх перед тем, что напрасно тратите дорогие художественные материалы (прочитайте еще раз ошибки №8 и №10).

Откиньте все сомнения и опасения, доверяйте своим инстинктам, верьте в себя!

Следуйте за своей творческой звездой и наслаждайтесь процессом!

Перевод с источника Творческая Мастерская с Мариной Трушниковой

Напишите в комментариях, в каком из пунктов вы узнали себя? Делитесь статьей, если она стала вам полезной!

---